AI 시대 삶을 짓는 목공의 힘(주)바오밥목공전문학원 김대희 대표   ‘4년 내 일자리 99% 초토화’와 같은 인공지능 시대의 불안한 전망 속에서도, 경기도 안성에 위치한 ㈜바오밥목공전문학원은 명확한 교육 비전을 제시하며 주목받고 있다. 도시에서 잘나가던 상담심리 전문가의 삶을 뒤로하고 목공에 뛰어든 김대희 대표는, 목공에서 얻은 몰입의 즐거움을 ‘공동체 의식’과 ‘나눔’의 교육 철학으로 확장해왔다.(주)바오밥목공전문학원은 기술을 가르치는 것을 넘어, 변화하는 시대 속에서 변치 않는 직업의 본질과 그것이 새로운 시대에 어떤 모습으로 발현되는지에 대한 깊이 있는 통찰을 제공한다. 기대와 불안이 교차하는 인공지능 시대, 그의 이야기를 듣는 동안만큼은 그 마음이 ‘기대’ 쪽으로 향한다.    글 | 장영남 인테리어 전문기자 jekyll13@naver.com  Q. 전에는 어떤 일을 하셨으며, 목공과의 어떤 계기로 인연을 맺게 되셨는지요. A. 저는 상담심리학을 전공한 상담심리전문가로 살아왔습니다. 저와 아내는 기독교적 가치와 공동체적 삶에 깊은 관심이 있었고, 늘 사람들과 함께 살아가는 ‘공동체’에 대한 꿈을 품고 있었습니다. 그러던 어느 날, 우연히 ‘(주)이장’이라는 회사에서 주관하는 마을 만들기 프로젝트 설명회에 참석하게 되었습니다.그 자리에서 지금은 저희 마을 이웃이 된 건축기술사 A씨를 처음 만나게 되었습니다. A씨는 “경기도 안성에서 마을 만들기 프로젝트를 준비하고 있는데, 한 달 뒤 첫 모임이 있다”라고 말씀해 주셨습니다. 이 말은 제 삶의 새로운 방향을 열어주는 계기가 되었습니다. 그때가 지금으로부터 17년 전, 제가 32살이던 해였습니다.    △ (주)바오밥목공전문학원 김대희 대표   그 후 3년 동안 매달 한 번씩 모임을 이어갔고, 마침내 안성 금광호수 근처의 ‘들꽃피는 마을’로 귀촌하게 되었습니다. 이곳에 집을 짓고 나서, 저는 문득 생각했습니다.“집은 전문가들이 지었지만, 가구는 내가 만들어야 하지 않을까?”그렇게 저는 ‘목공’이라는 세계에 발을 들이게 되었습니다. 처음엔 인천에서 몇 백만 원어치의 원목을 사다가 싱크대, 식탁, 책꽂이, 신발장 같은 가구들을 하나씩 만들기 시작했습니다. 집 안 가구를 모두 만든 후에는 데크, 창고, 정원 구조물, 그리고 마을 놀이터의 농막과 그네까지 손수 제작하게 되었습니다. 그 과정에서 “세상에 이렇게 재미난 일이 있구나”라는 깊은 감동을 받았습니다. 그 감정은 단순한 취미의 차원을 넘어, 제 삶을 통째로 바꾸는 열정이 되었습니다. 그래서 결심했습니다.“이제는 정식으로 배우자.”     Q.  처음에는 목공전문학원이 아닌 공방이었던 걸로 압니다. 바오밥목공전문학원 설립 배경을 들려주세요.  A. 당시 용인 원삼에 계시던 목공 스승님을 찾아가 1년 반 동안 주 1회 꾸준히 목공을 배웠습니다. 결국 다니던 회사까지 그만두고 도제로 들어가 다시 1년 반 동안 본격적으로 목공을 배우기 시작했습니다. 도시락을 싸들고 다니며, 때로는 눈물을 흘리면서까지 열심히 배웠습니다. 그렇게 목공을 손에 익히니 어느새 제 손끝에 나무의 감각이 조금씩 자리 잡아갔습니다.이제는 공방을 차려야겠다고 결심했지만, 현실은 녹록지 않았습니다. 자금이 턱없이 부족했기 때문에, 6개월 동안은 새벽 인력시장에 나가 몸을 부려야 했고, 이후 1년 동안은 목조주택 현장 일용직으로 일하면서 자금을 마련했습니다.      △ (주)바오밥목공전문학원 전경.   그렇게 어렵게 모은 돈으로 2006년 9월, 안성 보개면에 있는 허름한 60평짜리 창고 하나를 구해 직접 손으로 리모델링을 하기 시작했습니다. 마침내 2017년 4월, 바오밥나무공방의 문을 열게 되었는데요. 운이 좋았습니다.공방 오픈 1년 만에 주말, 저녁 시간을 쪼개지 않으면 감당할 수 없을 만큼 바빠졌습니다. 학교 출강 수업, 공방 회원 프로그램, 가구 주문 제작 등 몸이 셋이라도 모자랄 정도로 일이 몰려들었고, 결국 직원을 들이며 본격적인 공방 운영에 나섰습니다.하지만 그렇게 2년을 쉼 없이 달렸더니, 몸에서 먼저 이상 신호를 보냈습니다. 그제야 저는 돌아보게 되었습니다. “내가 이 일에서 놓치고 있었던 건 무엇이었을까?” 그동안 상담, 명상, 철학은 많이 공부해 왔지만, 정작 ‘돈’에 대해서는 너무 무지했다는 것을 깨달았습니다. 그래서 ‘돈’에 대한 공부를 시작했고, 공방을 ‘사업’으로 구조화하고 지속 가능한 방식으로 운영하는 방법을 고민하게 되었습니다. 그 과정에서 직업훈련기관으로의 전환을 결심했습니다. 하지만, 그렇다고 해서 교육을 ‘돈벌이 수단’으로 바라본 적은 한 번도 없습니다.    △ (주)바오밥목공전문학원은 경기도 안성시 공도읍 용두리 682-16 (벚꽃길25-7)에 위치한다.     Q. 사실 창업에서 ‘경영 철학’만큼 중요한 게 ‘수익모델의 구조화’라고 생각합니다. 바오밥목공전문학원이 어떤 곳인지 소개해주세요. 전액국비지원이라서 목공에 관심 있는 분들에게 좋은 정보가 될 것 같습니다.  A. 현재 우리 학원은 두 개의 캠퍼스를 운영하고 있습니다. 1캠퍼스는 ‘건축목공학과’로, 2캠퍼스는 ‘가구제작학과’와 메이커 스페이스 ‘설렘’으로 구성되어 있습니다. 건축목공학과는 인테리어 목수와 빌더를 양성하는 실전형 교육 공간입니다. 가구제작학과는 가구제작 목수를 양성하며, 설렘은 시민 누구나 창작의 기쁨을 누릴 수 있는 공유 공간인데요. 두 학과 모두 PBL(Project-Based Learning) 기반의 교육 방식을 따르고 있습니다.PBL은 단순한 ‘교육 방식’이 아닙니다. PBL은 하나의 철학이며, 학습자 중심의 학습 환경을 만드는 삶의 태도이기도 합니다. 학습자는 실제 세계에서 만날 수 있는 문제를 스스로 해결해 나가는 과정을 통해 지식을 쌓고, 동료와 협업하며 자기주도적으로 성장합니다. 우리 기관은 4차 산업혁명 시대의 기술 변화와 사회적 요구에 발맞추어 단순한 기술 습득을 넘어, 문제 해결 능력, 창의적 사고, 타인과의 협업과 커뮤니케이션 능력, 자기 성찰 능력을 모두 키우는 교육을 지향하고 있습니다. ‘기술을 가르치는 것’에서 멈추지 않고, ‘삶을 구성하는 힘을 기르는 교육’을 만들어가고자 합니다.   △ PBL기반 건축목공 인테리어 세트장 제작 수업 중에. 건축목공과정은 총 5개월(700시간)이며 공구 사용, 인테리어 목수 필수 기술습득, 3D설계 및 CNC가공 실습, 인테리어 공간(세트장) 시공 프로젝트, 팀워크 실전 프로젝트 등을 교육한다.   △ PBL 기반 가구설계제작반 1~3주차. 가구제작가정 또한 총 5개월(700시간)이며 가구제작 산업기사 취득을 위한 이론과 설계 및 실습, 짜맞춤 원목가구 제작, 2D 및 3D 프로그램을 통한 가구 설계, 경첩 및 서랍레일 부착, CNC 활용을 통한 자동화 목재 가공 기술 등을 교육한다.      Q. 아프리카에서 바오밥나무는 마을의 중심지 역할을 합니다. 그늘에 사람이 모이고 음식을 나누고 삶을 함께 하는 공동체와 나눔의 상징적 공간이라고 합니다. 학원 이름은 이런 바오밥의 상징성을 담고 있는 것 같습니다.  A. 그렇습니다. 바오밥나무공방을 처음 열 당시, 저는 세 가지 가치를 마음에 품었습니다. 그것은 바로 ‘공유’, ‘나눔’, ‘성장’이었습니다. 이웃들과 목공문화를 함께 공유하고, 우리가 가진 것을 서로 나누는 공간이 되길 바랐습니다. 그리고 그렇게 형성된 따뜻한 관계와 배움의 분위기 속에서, 자연스럽게 성장이 이루어질 것이라 믿었습니다. 그 철학은 지금도 그대로 이어지고 있습니다.㈜바오밥목공전문학원은 기술을 가르치는 기관이기 이전에, 삶을 다시 일으키는 희망의 공간이 되기를 꿈꿉니다. 우리는 누구나 각자의 자리에서 조금은 기울어진 운동장 위에 서 있을 수 있습니다.저는 그 기울어진 운동장을 조금이나마 바로잡는 일에 조그마한 힘을 보태고 싶습니다. 기술을 통해 다시 회복하고, 자신만의 속도로 다시 걷게 되는 사람들을 이 공간에서 함께 마주하고 싶습니다.   △ 지인으로부터 선물 받은 바오밥나무 작품. 제목은 〈코끼리 없다〉.아프리카 초원에서 동물들이 숨바꼭질을 하고 있었고 코끼리도 함께 놀고 싶어했지만, 덩치가 너무 커 숨을 수 없다는 이유로 제외되었다. 깜깜한 밤이 되어서야 코끼리는 마침내 자신을 숨길 수 있는 나무를 찾아냈는데, 그 나무는 세상에서 가장 큰 나무 중 하나인 바오밥나무였다는 스토리가 담겨 있다.     Q. 자신만의 속도로 다시 걷게 되는 사람들이라는 표현이 참 인상적입니다. 그렇다면, 교육생분들에게 가장 강조하는 부분은 무엇이며, 어떤 변화를 기대하시는지요? A. 저는 교육의 본질은 ‘자신에 대한 이해’에서 시작된다고 생각합니다. 비록 저희가 제공하는 교육은 기술 중심의 훈련이지만, 그 기술을 단순히 생계를 위한 수단으로만 배우기를 바라지는 않습니다. 오히려 저는 교육생들에게 이렇게 질문하고 싶습니다.“내가 왜 이 기술을 배우려는가?”“이 기술을 통해 나는 어떤 삶을 꿈꾸고 있는가?”“내가 익힌 기술로 사회에 어떤 가치를 줄 수 있을까?”기술은 목적이 아니라, 수단입니다. 기술은 자신의 삶을 스스로 만들어가는 도구이며, 또 다른 누군가의 삶에 따뜻한 영향을 줄 수 있는 매개입니다.저는 교육생들이 기술을 통해 단순히 ‘돈을 버는 사람’이 되기를 바라지 않습니다. 기술을 통해 자기 삶을 구성하고, 그 기술로 타인과 사회에 의미 있는 가치를 나누는 사람이 되기를 바랍니다.그 과정에서 그들의 삶이 경제적으로도 안정되고, 문화적으로도 더욱 풍요로워질 수 있기를 기대합니다. 궁극적으로 저희 교육의 목표는, 기술을 넘어 삶의 태도와 방향을 함께 배워가는 것입니다.   △ 2D 및 3D 등의 수업이 이뤄지는 강의실과 실습에 필요한 다양한 공구과 자재가 갖춰진 실습실.      Q. AI 시대에 이런 태도가 어떻게 강점으로 발현될까요. 결국 휴머노이드가 일상화되는, 곧 다가올 미래 사회에서 목공의 기능과 역할은 무엇일까요.  A. 2040년이 되면 지구상의 로봇 수가 인간 수를 초과할 것이라는 전망이 있습니다. 가까운 미래에는 인간이 생존을 위해 수행하던 많은 생산 노동(제조, 운송, 식량 생산 등)이 로봇과 AI에 의해 대체될 것이고, 인간의 노동은 점차 창조하고, 관계하고, 공감하는 영역으로 전환될 것입니다.이러한 변화는 목공산업과 목공교육의 방향성에도 근본적인 전환을 요구합니다.   △ 김대희 대표는 가까운 미래에는 인간이 생존을 위해 수행하던 많은 생산 노동(제조, 운송, 식량 생산 등)이 로봇과 AI에 의해 대체될 것이고, 인간의 노동은 점차 창조하고, 관계하고, 공감하는 영역으로 전환될 것"이라고 말했다(위 사진은 기사 내용과 관련 없음).   전통적으로 목공산업은 수작업 기반의 기술 영역으로 인식되어 왔습니다. 그러나 미래에는 대량생산과 기능적 제작은 대부분 로봇과 자동화 시스템에 의해 수행되고, 인간은 그 여유 시간 속에서 창의적인 목공 활동을 향유하게 될 것입니다. 특히, 가구를 만들고 집을 짓고 정원을 가꾸는 일은 인간의 본능적인 즐거움과 연결된 활동입니다. 단순한 기술이 아닌 삶의 질을 높이고 자아를 실현하는 수단으로서 목공은 미래에도 유효할 것이며, 오히려 더 중요한 역할을 하게 될 것입니다.따라서 향후 목공교육은 단순한 기능인 양성을 넘어, 목공을 놀이이자 삶의 철학으로 풀어내는 교육 방식으로 변화해야 합니다. 놀이로서의 목공, 예술로서의 목공, 공동체로서의 목공은 인간 고유의 창조성을 자극하며, 미래 사회에서 중요한 정서적·문화적 자원이 될 것입니다.목공의 미래는 단지 기술 진보에 따라오는 자연스러운 변화의 결과가 아닙니다. 지금 나무를 사랑하고 목공을 통해 사람을 연결하는 이들이 만들어 나가야 할 새로운 문명입니다. 노동의 시대를 넘어 놀이와 창조의 시대로 전환되는 이 흐름 속에서 목공은 산업이자 예술이며, 교육이자 문화가 될 수 있습니다.결국 앞으로의 시대는 단순히 잘 만드는 사람이 아니라, 자신의 이야기를 가진 목수, 자신을 브랜딩할 줄 아는 목수가 살아남는 시대일 것입니다. 이를 위해서는 목공 기술을 연마하면서 동시에, 자신만의 철학과 방향성을 함께 다듬어가야 한다고 생각합니다.     ㈜바오밥목공전문학원 김대희 대표가 제언한 목공교육의 방향성 구분 변화 또는 지원방향 교육 철학   기술 중심 교육에서 창의·감성 중심 교육으로의 패러다임 전환 교육 시스템   PBL, 메이커교육, 공동체 기반 프로젝트 등 학습자 주도형 교육 강화 제도 및 정책   학교 밖 배움터, 공유공방, 메이커스페이스 등 인프라 지원 확대 인식 개선   목공을 단순한 기능이 아닌 ‘삶을 가꾸는 문화’로 인식하는 사회적 캠페인 필요 융합 산업   농업(정원), 치유(목공치료), 관광(체험형 공간) 등 융합형 산업과의 연계     Q. 끝으로 목공을 통해 얻는 개인적인 만족감이나 철학은 무엇인지요. A. 예전에 작업할 때 시간이 훌쩍 지나가 버릴 정도로 몰입하는 경험을 자주 했습니다. 나무를 다루는 그 순간은 단순한 기술이 아니라, 사물과 하나가 되는 느낌, 그리고 나 자신이 세상의 일부임을 느끼게 해주는 연결의 경험이었습니다.저는 세상은 서로 연결되어 있다고 믿습니다. 사람과 사람, 사람과 나무, 그리고 우리가 만든 가구 하나하나가 서로 얽혀 있다는 이 연결성의 감각, 이것이야말로 목공이 줄 수 있는 가장 아름다운 선물 아닐까 생각합니다. 그런 경험을 더 많은 이들과 나누고 싶습니다.       (주)바이오밥목공전문학원  

  △ 작업 중인 주명한 작가.     “왜 사람들은 손으로 만든 것을 좋아할까요?”“작품을 대하는 태도를 보는 거죠. 제품이든 작품이든 사람들은 정성이 담긴걸 좋아합니다.”   그에게 그라인더는 화가의 ‘붓’과도 같다. 분당 12,000번 회전하는 1mm의 날로 나무 표면을 하나하나 꾹꾹 눌러가며 찍듯이 선을 그린다. 그라인더로 정확한 선을 표현하기 위해서는 서너 차례에 걸친  반복 동작을 필요로 하니, 작품 하나를 완성하려면 최소 5만번의 반복 행동을 수행해야 한다. 이보다 더한 정성이 있을까.  그를 관통하는 두 개의 단어, ‘성실한 노동’과 ‘태도 미술’은 그의 예술 세계를 정확히 드러낸다. 노동의 가치가 점점 희미해지는 시대이기에, 그의 작품 세계는 도리어 그 반대편에서 선명하게 빛난다. 나무 예술가, 주명한과 이야기를 나눴다.   글 | 장영남 인테리어 전문 기자 jekyll13@naver.com   _____________       △ 삼나무로 만든 '나무의 뼈' 시리즈는 주명한 작가의 시그니처 작품 중 하나이다. 결을 따라 태우고 파고 태우고 파내기를 반복해 조재와(봄 여름 자란 부드러운 결) 만재(겨울을 이겨낸 단단한 결)를 극명하게 드러낸다.        Q. 몇몇 작품은 면의 구성력이 특히 뛰어납니다. 조형성과 리듬감은 현대 건축의 미학과도 맞닿아 있는 듯합니다. 작품 구상을 먼저 하고 작업을 시작하시는 걸까요.  A. 저는 상당히 직관적으로 작업합니다. 스케치나 드로잉은 하지 않아요. 나무마다 성격이 워낙 다르거든요. 나뭇결, 나이테, 물성, 표면의 감촉까지 제각각입니다. 그런데 작업 전에 도면을 그려버리면 그 나무가 가진 고유한 특성을 억누르게 되죠. 마치 설계된 틀에 나무를 억지로 끼워 넣는 느낌이랄까요.그래서 전 나무의 성격을 먼저 읽습니다. “이 나무는 결이 이러하니, 이런 접근이 어울리겠다”라는 식으로 직관적인 구상을 해요. 그 직관이라는 건 결국 제가 살아오면서 쌓은 경험과 지식이 순간적으로 반응해 나타난 결과일 텐데요. 작업 대부분이 직관에서 이뤄져서, ‘직관의 숲(Forest of Intuition)’이라는 이름으로 전시를 한 적도 있어요.    △ 옹이knar_生死點 (point of life and death) 2025_삼나무_730x590x50mm.   △ 나의 패턴 N30c(my pattern N30c) 2025_삼나무_960x635mm.   △ 2024년 4월 26일부터 5월 26일까지 갤러리스테어(GALLERY STAIR)에서 개최한 '직관의 숲' 전시에서.       Q. 작품을 예로 들며 설명해 주시면 좋겠어요. 옹이를 시작으로 파동처럼 번져가는 저 작품은 어떤 직관에서 비롯된 것인지요. A. 파동이 퍼져 나가는 출발점은 ‘옹이’입니다. 옹이는 새로운 가지가 돋아난 부위예요. 새 가지가 돋는 부위는 특히 단단한데, 나무가 쉽게 부러지지 않도록 영양을 그곳에 집중시키기 때문입니다. 그래서 나무가 쓰러지거나 가지가 부러지면, 영양이 많은 옹이부터 비나 환경의 영향을 받게 되어 미생물이 침투하며 썩기 시작해요.어떻게 보면, 인간과 닮았습니다. 새 가지가 돋는다는 것은 생명이 시작된다는 의미인데, 역설적으로 바로 그 순간부터 죽음 또한 함께 시작됩니다. 옹이는 삶과 죽음의 경계입니다. 그 경계에서부터 삶이 파동처럼 번져 나가는 거죠. 죽음이란 삶의 맨 끝에 따로 놓인 게 아니라, 죽음 직전까지 계속해서 ‘삶’이 이어졌던 거예요. 결국 삶과 죽음은 하나라는 생각입니다. 나무를 보며 늘 그런 것을 느껴요.     △ 옹이 시리즈.       Q. 옹이에서 삶과 죽음을 떠올리셨다는 말씀, 굉장히 철학적이고 신선한 접근이라는 생각이 듭니다. A. 사실 제 작업에 처음부터 특별한 철학이나 개념이 있었던 건 아니에요. 제가 가장 중요하게 여기는 건 ‘노동하는 시간’ 그 자체입니다.제 작업 방식은 무척 단순하고, 때론 무모할 정도예요. 1mm의 날이 분당 12,000번 회전하는 그라인더를 들고, 나무 위를 꾹꾹 눌러가며 찍듯이 선을 그어나갑니다. 예를 들어, 너비가 30cm인 면을 채우려면 최소 300번을 찍어야 합니다. 하지만, 선이 균일하게 나오지 않아 한 지점을 세 번 이상 반복해서 찍어야 하고, 결국 한 줄을 완성하려면 900~1,000번의 손길이 필요해요. 50줄로 이뤄진 작품 하나를 완성하려면 무려 5만 번의 손길을 거쳐야 하는 거죠. 이 과정은 엄청난 집중력과 체력을 요구합니다. 손을 여러 번 다쳤어요. 그라인더는 자비가 없거든요. 잠시라도 한눈을 팔면 날이 그대로 쓱 들어가 작업 전체를 망치게 돼요. 하루, 이틀, 사흘… 매일 몇 시간씩 똑같은 동작을 반복하다 보면, 허리가 아파 자리를 잠시 떴다가 다시 앉기를 여러 번 하게 됩니다. 그러다 보면 문득, “내가 지금 무엇을 하고 있는 걸까?” 하는 수많은 의문이 머리를 스쳐요. 작업하는 동안 자연스럽게 떠오르는 이런 질문과 생각들을 기록해 두는데, 그렇게 쌓여가는 메모들은 어느 순간 저만의 작업 철학이 되기도 해요. 저는 이 기록을 ‘노동요’라고 부릅니다. 결국 제 작업의 모토는 ‘성실한 노동’이에요. 나무 예술을 시작할 때부터 작업의 저의 신념은 단순했습니다. “그냥 성실하게, 꾸준히 해보자”는 것이었어요. 저는 누군가에게 목공을 배우지 않았어요. 직접 부딪히고 실험하며 터득한 쪽입니다. 만약 누군가에게 배웠다면, 그 방식을 벗어나지 못하고 결국 가르쳐 준 사람을 넘어서려는 데에만 얽매였을 겁니다. 저는 그보다는 저만의 방식과 태도로 제 세계를 만들어가고 싶었습니다.   △ 그라인더 드로잉 기법으로 완성된  세 점의 작품과 주명한 작가. 한 점의 작품을 완성하기까지, 톱날이 지나간 횟수는 무려 67,400번에 달한다.        Q. 작업 중 떠오른 사유가 철학으로 이어진 사례를 들려주세요.   A. 어느 날 작업을 하다, 헤겔의 변증법이 떠오른 적 있어요. 정(正)·반(反)·합(合)의 구조가 제 작업 방식과 닮아 있다는 생각이 들었습니다. 그래서 실제로 전시명을 ‘정·반·합’으로 정하기도 했고요.자연 그대로의 나무 상태가 ‘정’이라면, 저는 그 나무를 태우고, 파내고, 깎습니다. 일종의 ‘반’, 즉 파괴죠. 그런데 아이러니하게도, 그런 파괴를 통해 오히려 나무는 나무의 본질에 가까워져요. 그게 저에게는 ‘합’입니다. 그렇게 완성된 하나의 ‘합’은 다시 다음 작업의 출발점이 되고, 또 다른 정·반·합의 순환으로 이어집니다. 제 작업은 그런 식으로 계속 확장되고 쌓여가는 방식이에요.    Q. AI시대에 들어서며 인간 노동의 가치는 더욱 희미해지고 있습니다. 이런 시대에 이토록 ‘성실한 노동’에 의미를 두는 이유는 뭘까요. A. 저는 작업을 음악이나 스포츠와 자주 비교합니다. 무대에 오르기까지, 경기에 나서기까지 절대적인 고독의 시간과 수없는 반복 훈련의 과정이 따라붙죠. 피아노든 바이올린이든, 수십 년을 매일같이 연습해야 겨우 무대에 설 수 있어요.그렇게 어렵게 선 무대 위에서도 관객은 단 1초 만에 그 사람의 실력을 알아봅니다. 스포츠도 마찬가지예요. 어떤 훈련을 해왔는지는 단 한 장면이면 드러나죠. 요리도 그렇고요. 썰고, 굽고, 끓이는 과정을 오랜 시간 거쳐야만 요리 하나가 나옵니다. 그게 겨우 출발점이에요.그런데 예술은 상대적으로 진입장벽이 낮습니다. 준비 없이 들어왔다가 쉽게 빠져나가기도 하죠. 그래서 ‘개나 소나 예술한다’는 말도 생겨났겠죠. 저는 예술도 음악이나 체육처럼 절대적인 시간을 들여야 진입할 수 있는 영역이라고 생각해요. 시간을 들이지 않고는 결코 본질에 닿을 수 없어요.결국 최고의 재능은 ‘꾸준함’이라는 생각입니다. 아무리 뛰어난 재능도 훈련이 없으면 결과에 도달할 수 없어요. 작품의 취향은 갈릴 수 있지만, 작업을 대하는 ‘태도’는 누구에게나 분명하게 보이는 법입니다. 태도는 감출 수 없는 진심이니까요.     △ 타지 않는 형태 B1, W2 (Unburned form B1, W2) 2024_은행나무_W1780x745x40mm.       Q. 사실 우리는 모두 ‘중간에 포기해 본 사람’입니다. 그래서 끝까지 밀고 나가는 ‘꾸준함’에 감동하는 것 같습니다. 이쯤에서는 사용하는 도구가 궁금해지는데요. 주로 어떤 도구들을 사용하시는지요.  A. 기본적인 목공기계 들을 사용하고요 수작업 도구인 끌이나 칼등은 대부분 직접 만들어 쓰고있습니다.그라인더 작업을 많이하게 되는데, 세 대를 번갈아 사용해요. 작업 시간이 길어지면 열이 많이 나서 기계들이 견디지 못하거든요.가르거나 켜는 작업, 선을 긋는 주로 핸드쏘를 사용합니다. 주변에서는 “이 정도면 CNC로 하는 게 낫지 않냐?”는 얘기를 자주 하는데, 저는 CNC를 쓰지 않고 있어요. ‘손맛’을 훨씬 더 중요하게 여기기 때문이에요. 똑같은 문양이라도 기계로 파낸 것과 손으로 새긴 것 사이에는 분명한 차이가 있습니다. 물론 일부 작업에는 CNC가 더 어울리기도 하지만, 지금은 손으로 작업하는 방식을 고수하고 있어요.   △ 주명한 작가가 주로 사용하는 도구들.   △ 작업 중에.       Q. 즐겨 쓰는 나무도 있을까요? A. 저는 ‘삼나무’를 자주 씁니다. 결이 분명해서 제 작업에 잘 맞아요. 삼나무를 사용한 <나무의 뼈> 시리즈는 저의 시그니처 작업 중 하나예요. 이 작업은 말하자면, ‘나무의 시간을 파내는 일’입니다. 목재 단면을 보면 진한 선과 흐린 선이 반복되는데, 흐린 부분은 ‘조재(춘재)’라고 해서 봄에 자란 조직이고, 진한 부분은 ‘만재(추재)’라고 해서 여름 이후에 자란 조직이에요. 조재는 성장기인 만큼 섬유질이 연하고 폭이 넓고요, 만재는 휴면기를 대비해 만들어지기 때문에 조직이 조밀하고 단단합니다.제가 파낸 부분은 주로 봄, 즉 살에 해당하는 부분입니다. 그 결과 남은 건 단단한 가을의 결, 즉 ‘뼈’입니다. 나무의 사계절 중 ‘가을’만을 남긴 셈이죠. 봄의 살을 벗기고 가을의 골격만 남긴 구조이기에 작업의 제목을 <나무의 뼈>라고 지은 건데요. 사람도 뼈가 있어야 설 수 있듯이, 나무도 이 뼈 같은 가을의 결이 중심을 잡아주는 겁니다. 좁지만 단단한 만재는 마치 구조물의 골조처럼 나무의 형태를 지탱하고 있어요. 저는 나무가 150년 동안 스스로 ‘생의 스케치’를 그려 왔다고 생각해요. 저는 그저, 단순한 노동으로 그걸 드러냈을 뿐이죠.         △ 나무의 뼈_no18 (bone of wood_ no18) 2023_삼나무_685x2020x60mm.       Q. 전에는 CF 일을 하셨다고 들었습니다. 그래서인지 작업 전반에서 독특한 감각과 신선함이 묻어나는 듯합니다.  A. 네, 미대에서 시각 디자인을 전공했고, 졸업 후 광고 회사에 들어갔습니다. 24년 동안 CF를 만들었는데, 대략 300~400편 정도 작업한 것 같아요. 대한항공, 삼성전자, 현대자동차 등 대기업 광고도 많이 했습니다. 카피라이팅도 함께 해서 글을 쓰는 습관이 자연스럽게 몸에 배었고요. 지금도 작업을 하며 떠오른 생각을 글로 정리하는 데 익숙한 건 그 덕분입니다.     Q. 광고 일을 그렇게 오래 해오셨다면, 예술로 전향하게 된 특별한 계기가 있었을 것 같습니다. 들려주실 수 있을까요? A. 광고 일이 저에게는 너무 힘든 일이었어요. 일도 많았고, 하루 종일 머리만 써야 하는 삶이 어느 순간 너무 고되게 느껴졌습니다. 아이가 둘 있는데, 스무 살이 넘을 때까지 함께한 시간이 거의 없었어요. 그게 늘 마음에 걸렸죠. 그래서 ‘언젠가는 광고 일을 정리하고, 내가 진짜 좋아하는 것을 하고 싶다’는 생각을 했죠. 새로운 일을 시작하는 것보다, 오랫동안 해온 일을 내려놓는 게 더 어려웠어요. 진행 중인 일도 있고 경제적인 부분도 얽혀 있었고. 그래도 ‘너무 늦기 전에, 몸으로 하는 작업을 해보고 싶다’는 마음은 변하지 않았습니다. 예전엔 스스로를 농담처럼 저를 ‘뇌가다꾼’이라고 불렀어요. 늘 머리만 쓰며 사니까요. 그런데 나이가 들수록 몸도 쓰는 노농에 대한 갈망이 점점 커졌습니다. 그런 마음이 결국 지금의 작업으로 이어졌죠.   △ 수축과 팽창사이 2022(between contraction and expansion_느티나무, 화강암, 스테인리스 와이어_2070x250xh2010x90mm.       Q. 그런데 왜 하필 나무였을까요? A. 광고 일을 그만두고 나서 등산을 자주 다녔어요. 산을 타다 보면 나무뿌리도 보이고, 오래된 나무 덩어리도 눈에 들어오더라고요. 그 안에는 사계절이 담긴 듯한 아름다움이 있었어요. 하나하나가 너무 아름다웠어요. 특히 썩어서 쓰러진 나무들을 자세히 들여다보면, 그 안의 결과 디테일이 시간이 더해져 정말 멋지더군요. 아마도 그게 제가 나무를 만지게 된 계기가 된 것 같아요.     Q. 그렇다면, 작가님께서 생각하시는 ‘나무’란 어떤 존재인지요. A. 나무는 산이든 어디든 뿌리를 내리고, 수분과 양분을 흡수하며 생명을 유지하죠. 그런데 지금 제가 다루는 나무들은 이미 뿌리도, 물도, 영양도 끊긴 상태예요. 일반적으로는 그런 나무를 ‘죽은 나무’라고 부르지만, 목재 작업을 하는 사람들은 그렇게 생각하지 않아요.나무는 죽는 법이 없습니다. 뿌리가 끊겨도, 그 순간부터는 수분을 증발시키며 다른 방식으로 생을 이어가요. 우드 슬랩을 테이블쏘로 절단할 때가 있는데, 나무가 톱날을 꽉 움켜쥐는 경우가 있습니다. 톱이 빠지지 않을 정도로요. 내부에 에너지가 응축되어 틀어질 준비를 하고 있다가 반응하는 겁니다. 그럴 때마다 이 나무가 여전히 살아 있다는 걸 느껴요.100년, 200년을 살아온 나무에 예술이라는 이름으로 다시 생명을 불어넣는 것, 그렇게 해서 500년, 1000년을 더 살아가게 하는 것이 제 목표에요. 저는 그게 나무를 가장 오래 살리는 방식이라고 믿습니다. 나무는 끝난 게 아니라, 지금부터 다시 살아갈 수 있는 존재가 되는 거죠.     △ 열한 살, 그때의 기억 2023(Eleven years old, memories of that time 2023)_300여 년 자란 삼나무의290년전 11살 시절을 찾아 조각_600x1890x45mm.       Q. 끝으로, 작가님은 앞으로 어떤 예술가로 기억되고 싶으신지요. A. 하…, 참 어려운 질문인데요. ‘좋은 작가’로 기억되고 싶다는 바람은 분명히 있어요.제가 이렇게 노동 중심의 작업을 고집하는 이유는, ‘들키고 싶지 않아서’입니다. 요령 부리는 작업, 감각만으로 채운 작품은 결국 사람들에게 들키게 돼요. 광고 일을 오래 하며 많은 감각과 경험을 쌓았지만, 그런 걸로 쉽게 작업을 만들고 싶지 않았어요. 더욱 나이를 먹고 시작했기 때문에 진심이 보여야 한다고 생각했어요. 작품에 대한 평가는 사람마다 다를 수 있죠. 하지만 작업을 대하는 태도만큼은 누구에게도 의심받고 싶지 않았습니다. 그래서 전 제 작업을 ‘태도 미술’이라 부릅니다. 지난 10년 동안 거의 흐트러짐 없이 같은 루틴으로 작업해 왔어요. 코로나 시기에도 백신을 맞을 필요가 없을 만큼, 철저하게 은둔하며 작업에만 몰두했습니다. 그 생활이 지금까지 이어지고 있고요.제 작업을 음악이나 스포츠에 비유하는 것도 같은 맥락이에요. 너무 쉽게 하면 “이건 나도 하겠다”는 말을 듣게 돼요. 그래서 전 누구도 쉽게 흉내 낼 수 없는 곳까지 가보고 싶었습니다. 어떤 작가는 예쁜 그림, 어떤 작가는 무거운 그림, 또 어떤 작가는 아주 가벼운 작업을 하지만, 결과적으로는 좋은 작품인지 아닌지로 나뉩니다. 전 여기에 ‘대단함’을 얹고 싶어요. 대단함은 그 작가의 시간이 투영될 때 나오는 감탄이라고 생각해요. 그 두 가지를 저는 같이 가져가고 싶네요.    수축과 팽창사이 2022(between contraction and expansion 2022)_아프로모시아, 화강암, 철.     주명한 작가 이메일 herezoo@hanmail.net 인스타그램  인스타그램   

그림자, 그 사라짐을 태워 붙잡다우드버닝 아티스트 김고은의 ‘찰나’ 기록법   “뭘까, 이 아련함은….” 한동안 멍하니 바라봤다. 질감이 부드러워 마음이 오랫동안 고요했다. 오후 햇살이 적막한 공기 속에 스며들던, 오래전 어느 한 장면이 아스라이 떠올라 정신이 아득해졌다. 훗날 알게 되었지만, 김고은 작가는 작품 속 ‘그림자’를 ‘우드버닝(Woodburning)’ 기법으로 표현한 것이었다.   △ 그림자25(17120-0803)_woodburning on birch_45x60cm_2022.     김고은 작가는 현재 경기도 동탄신도시에서 ‘고은쌤의 버닝공방&연구소’를 운영 중이다. 2014년 문을 열었으니, 올해로 10년이 되었다. 이곳은 국내에서 우드버닝만을 전문으로 교육하는 유일한 공방으로 알려져 있다. 2014년은 <고은쌤의 우드버닝> 제목의 국내 최초의 우드버닝 가이드북을 펴냈다. 책은 우드버닝 개념부터 도구 사용법, 채색과 마감, 그리고 작품 제작에 이르기까지 우드버닝 전반을 다뤄, 우드버닝 입문자들에게 실질적인 도움이 되는 안내서로 널리 활용되고 있다. 또한, 2017년 <그림자 일상 속 순간>, 2022년 <찰나의 기억>이라는 두 차례의 우드버닝 개인전을 열며 작가로서의 활동도 꾸준히 이어가고 있다.   △ 2017년 열린 김고은 작가의 개인전 <그림자 일상 속 순간>.    △ 2014년은 <고은쌤의 우드버닝> 제목의 국내 최초의 우드버닝 가이드북을 펴냈다.   이렇듯, 김고은 작가는 우리나라 우드버닝 분야에서 중심적 역할을 해오고 있다. 우드버닝은 나무 표면을 고열의 도구로 지져 그림이나 글자를 새기는 공예 기법이다. 펜처럼 생긴 전용 인두를 이용해 나무를 태우듯 눌러 작업하며, 연필로 밑그림을 그린 뒤 따라 그리거나 프리핸드로 직접 표현하기도 한다. 완성된 작품은 그을린 자국 특유의 자연스럽고 빈티지한 질감을 내며, 도마나 트레이, 간판 등의 형태로도 활용된다. 최근에는 초보자용 키트가 다양하게 출시되어 있어, 누구나 손쉽게 집에서 즐길 수 있는 취미로 주목받고 있다. 미술 전공자가 작업 세계를 우드버닝으로 확장하는 경우는 극히 드물다. 우드포럼에서 김고은 작가를 만나야 하는 이유는 분명했고, 충분했다. 글 | 장영남 인테리어 전문기자 jekyll13@naver.com     우드버닝은 회화와 조소의 접점이다   Q. 회화와 조소를 전공한 걸로 알고 있습니다. 그럼에도 작품 활동은 우드버닝에서 활발하게 펼치고 계십니다. 우드버닝에 얽힌 작가님의 이야기를 들려주세요.  A. 어릴 적부터 그림 그리는 걸 좋아했어요. 예술고등학교 회화과에 진학했는데, 조소에도 관심이 있어 조소과를 기웃거리기도 했고요. 마침, 대학이 학과제에서 학부제로 전환되어 순수미술학부로 입학했고, 전공은 조소를 선택했습니다. 그래도 어릴 적부터 좋아했던 회화에 대한 미련을 버릴 수 없어 결국 복수전공을 하게 되었습니다. 그런데 회화를 전공할 때도 ‘표현매체’와 ‘판화’ 과목을 주로 들었습니다. 캔버스에 그림을 그리는 방식에는 크게 관심과 흥미가 없어서 관련 과목은 거의 듣지 않았어요. 생각해 보면, 제 관심사는 늘 그렇게 회화와 조소에 걸쳐져 있었던 것 같아요. 대학원에 진학하고 나서는 어떤 작업을 해야 할지 진지하게 고민했습니다. “내가 진짜 관심 있고, 내가 정말 좋아하는 게 뭘까” 스스로 묻던 끝에 떠오른 게, ‘그림자’였어요. 어릴 적 그림자놀이도 참 좋아했거든요. 그림자 위에 그림자를 덧붙이면서 놀았죠. 그림자는 제 상상력을 자극하는 존재였습니다. 대학원에서는 설치미술과 사진 작업으로 이 그림자를 표현했습니다.    △ 어릴 적 즐기던 그림자놀이는 훗날 작품의 주제가 되었다(위 사진은 기사와 관련 없음).     졸업 후, 그림자 작업을 어떻게 이어가야 할지 고민하던 어느 날 ‘우연히’ 인터넷에서 우드버닝 작품을 보게 되었어요. 나무 위에 선으로 그려진 되게 단순한 그림이었는데, 예상치 못한 충격에 “이게 뭐지?” 하는 마음이 들었습니다. 단숨에 완전히 매료되었죠. 그게 2009년이었는데, 우리나라에 버닝기가 막 들어오던 시기였어요.   버닝기를 구입하려고 업체를 찾았더니, 오히려 그쪽에서 저에게 관심을 보였습니다. 전공자라고 하니, 마침 협회를 창립하고 버닝기를 본격적으로 보급하려던 차라며 같이 일하자는 제안을 해왔습니다. 집 앞까지 찾아오실 정도로 굉장히 적극적이셨어요. 그렇게 버닝 관련 협회에서 교육 담당자로 활동하게 되었고, 외국 서적을 참고해 우드버닝을 생활공예로 풀어낸 커리큘럼을 개발했습니다. 당시만 해도 인터넷이 발달하지 않아 관련 정보가 국내에는 거의 없었거든요.      Q. 버닝협회 관계자분을 만난 게 큰 계기가 되었군요. 본격적으로 우드버닝을 표현 매체로 한 작품 활동을 하기 전인데, 이때 느낀 우드버닝의 매력은 무엇이었습니까. 무엇보다 인상 깊었던 건, ‘캔버스’가 아닌 ‘나무’에 그린다는 것이었습니다. 색칠이나 물감으로 그려내는 게 아니라, ‘태워서’ 표현할 수 있다는 자체가 정말 매력적이었습니다. 저는 우드버닝이 회화와 조소의 접점에 있는 매체라고 생각합니다. 회화와 조소에 두 장르에 흥미를 느끼는 저에게 이런 특성은 끌릴 수밖에 없는 요소였죠.   △ 색칠이나 물감으로 그려내는 게 아니라, ‘태워서’ 표현할 수 있다는 자체가 정말 매력적이었다고.     수십만 년 동안 불을 중심으로 산 우리에게, 불에 대한 기억은 ‘생존’과 ‘안전’이다.    Q. 우드버닝을 처음 접했을 때 사람들의 반응은 어떤가요. 우드버닝을 배우러 오시는 분들은 어떤 분들이신가요.  A. 기업체 같은 곳에 강의를 나가보면, 처음에는 상당히 시큰둥하고 심드렁한 반응이 많습니다. 그런데 막상 작업을 시작하면 눈빛이 달라져요. 나무가 안으로 검게 타들어 가는 모습에 흥미를 느끼고, 연기가 피어오르며 타는 모습에 재미를 느낍니다. ‘태운다’라는 행위 자체에서 즐거움을 느끼시는 것 같아요. 누구나 어릴 적 한 번쯤은 불장난해보잖아요. 그런 장난의 연장선에서 우드버닝을 받아들이는 것 같습니다.  공방에 오시는 분들은 크게 두 부류로 나뉩니다. 하나는 나무를 좋아하는 분들, 다른 하나는 나무 타는 향을 좋아하는 분들입니다. 전자는 대체로 서각이나 목공 같은 이미 다른 형태의 목공예를 하고 계신 경우가 많고요. 의외로 나무 타는 향에 끌려 우드버닝을 시작하는 분들이 꽤 많으신데, 이런 분들은 ‘향에 얽힌 추억’이 있으세요. 아궁이에 불 때던 그 시절의 기억이나 어릴 적 할머니 댁에서 맡았던 나무 타는 냄새 같은 것들이죠. 나무 타는 향이 좋아서 늦가을이 되면 논에 나가 낙엽을 태우신다는 분도 계셨고요. 이분들께서 공방에 오시면 온통 태우십니다. ‘그리는’ 방식보다 ‘태우는’ 방식에 가까운, 연소의 양이 많은 작업을 더 즐기시는 경향이 있습니다.   △ 나무 타는 향에 이끌려 공방에 오는 사람이 의외로 많은데 이런 분들은 '향에 얽힌 추억'이 있다고(위 사진은 기사와 관련 없음). 사진=아사달, “전통문화_아궁이_832152”, 한국저작권위원회 공유마당, CC BY   실제로 우드버닝은 힐링과 치유 효과가 큽니다. 힘든 시기에 탈출구 삼아 시작한 우드버닝 덕에 생활의 균형을 되찾았다는 이야기를 많이 듣습니다. 처음에는 힘든 내색 없이 조용히 작업하셨던 분들이 시간이 지나 안정을 찾으면 그동안의 힘들었던 시간을 조심스레 털어놓곤 하십니다. 저 역시 우드버닝이 지닌 치유의 힘을 믿어요. 작업할 때마다 제가 직접 느끼는 힐링과 카타르시스가 있기에, 다른 분들도 분명 비슷한 감정을 경험할 수 있을 것이라 확신해요. 특히 우드버닝은 이미지를 그려내는 데 그치지 않고, 나무가 주는 따뜻한 감성과 향까지 더해져 그 치유 효과가 배가된다고 생각해요.    Q. 나무마다 타는 냄새가 다를까요.  A. 나무를 태우면, 그 나무의 열매에 가까운 향이 피어납니다. 체리를 태울 때는 달콤한 향이, 월넛은 호두의 구수한 향이, 은행나무는 은행을 밟았을 때 맡았던 그 냄새가 납니다. 자작은 편안하고 구수한 향을 내고요. 그런데 또 사람마다 이 향이 다르게 느껴지고도 하고요.    △ 그림자3(140517-1718)_woodburning on birch_80x55cm_2014.   △ 그림자9(140402-1629)_woodburning on birch_50x60cm_2017.     Q. 나무를 태우면 나무의 열매 냄새가 나다니, 신기합니다. 목재가 우드버닝 작업에 얼마나 영향을 주는지도 말씀해 주세요. 수종, 밀도, 결 방향, 수분 함량, 표면 가공 상태(샌딩, 오일 마감 등) 등에 따라 달라질 것 같습니다.  A. 모든 나무를 태울 수 있지만, 작업에 적합하지 않은 나무들도 더러 있습니다. 티크처럼 유분이 많은 나무는 태울 때 향이 강해 제외하는 편입니다. 물론 감수하고 사용할 수도 있지만, 추천하진 않아요. 또 색이 진한 나무들은 글씨나 단순한 선 작업에는 무리가 없지만, 여러 톤이 섬세하게 들어가는 도안에는 적합하지 않아 제외합니다. 나무 본래의 색에 명암이 묻혀 섬세한 표현이 어렵기 때문이죠. 진액이 많아서 태울 때 지글지글 끓어오르는 나무도 마찬가지로 피하고요.  표면이 단단하고 부드러운 나무가 있는데, 이것도 구분해 사용합니다. 단단한 나무는 선이 뚜렷하게 살아나 정교한 표현에 적합하고, 부드러운 나무는 마치 붓으로 삭 그린 듯 은은하게 번지는 느낌을 낼 수 있어요. 표현하려는 느낌에 맞춰 표면 경도를 선택하면 됩니다.    △ 참새와 연밥(부분), 알마시카, 40x40cm,2011.    △ 그림자18(190322-0924),자작나무 ,60×60cm,2022.      또한, 결이나 무늬가 굉장히 예뻐 그 자체가 그림 같은 나무들이 있습니다. 이런 나무는 조금만 손길이 닿아도 훌륭한 작품으로 완성됩니다. 원목을 그대로 이용할 때, 이런 나무를 만나게 되는데, 국내에서는 주로 은행나무를, 해외에서는 메이플을 많이 씁니다. 다만, 우리나라에서는 메이플에 대한 선호도가 낮아 수입이 잘되지 않고 대형 사이즈도 거의 유통되지 않아 구하기 어렵습니다.  표면 가공은 보통 220~400방 사포로 마무리합니다. 사포질을 지나치게 많이 하면 펜이 미끄러져 작업하기 어렵고요. 반대로 표면이 너무 거칠어도 작업이 어렵습니다. 그렇지만, 의도적으로 대패질만 한 표면에서 작업하면 울퉁불퉁 유화와 같은 질감을 표현할 수 있어요.  무엇보다 중요한 건 나무의 건조 상태입니다. 기본적으로 함수율 11% 이하로 잘 건조된, 밝은색의 나무가 적합합니다. 이런 면에서 자작나무 합판이 가장 흔히 쓰이는데요. 색감이 밝고 크기 선택도 자유로워 활용도가 높습니다. 백색에 가까운 바탕색은 제 작업 스타일과도 잘 어울려 개인적으로도 특히 선호하고요.     기억하지 못하는, 그렇지만 소중했던 ‘내가 흘려보내는 어떤 것들’   Q. ‘그림자’, ‘찰나’, ‘기억’을 주제로 한 개인전을 두 차례 였습니다. 어린 시절 그림자놀이를 즐겼다고도 하셨는데, 그림자에 그토록 매료된 깊이 이유가 궁금합니다.   A. 우리 곁에는 소중하지만, 너무 익숙해서 무심히 흘려보내는 것들이 참 많습니다. 그림자도 그중 하나입니다. 그림자는 찰나입니다. 순식간에 생겼다가 사라지는 그 현장, 그 장면, 그 시간을 저는 사진으로 남기고 그림으로 옮깁니다. 그림자를 우드버닝으로 표현한 제 작업을 통해, 잠시나마 “내가 흘려보내는 어떤 것들”에 대해 생각해 볼 수 있기를 바라죠.  그림자를 단순히 그려 넣는 것이 목적이라면 캔버스도, 화선지도 좋습니다. 실제로 화선지에 번짐 효과를 활용해 그림자를 표현하는 분도 계시고요. 그러나, 우드버닝으로 그림자를 그린다는 건, 나무 표면을 재로 만들어 ‘찰나’를 붙잡는 일입니다. 결국, 우드버닝으로 남긴 그림조차 언젠가는 사라지죠. 모두 허상이에요. 실제로 우드버닝은 시간이 흐르면 점차 바래는 특성이 있습니다. 나무 자체가 환경에 영향을 받으며 자연스레 변색하니 변하지 않을 수가 없죠.  우드버닝에서는 이런 특성을 단점으로 보지만, 제 작업에서는 오히려 그 점이 잘 맞습니다. 차츰 사라져간다는 그 ‘본질’이야 말로, 제가 사람들에게 전하고자 하는 감정과 가장 잘 깊이 닿아 있으니까요.      단지 검지 않다, 겹겹이 쌓인 그 다층적 색감   Q. 면을 중심으로 표현하는 우드버닝은 흔히 볼 수 있는 방식이 아닌데요. 작가님의 작품을 본 사람들은 주로 어떤 반응을 보이는지요. A. “커피로 그린 그림이냐?”라고 묻는 분들이 많습니다. 물감이나 커피를 스며들게 한 듯한 번짐 효과로 보시는 거죠. 무엇보다 표면을 요철 없이 고르게 태워진 걸 보고는 다들 신기해하십니다. 우드버닝을 해본 분들조차도, 자신이 알고 있던 방식과 달라 놀라워하시고요. 보통 우드버닝은 선으로 나무에 뭔가를 그려 넣는 작업으로 여깁니다. 그러나 제가 생각하는 우드버닝의 가장 큰 매력은 ‘불로 태워 생겨나는 색’에 있습니다. 단순히 이미지를 그려 넣는 것을 넘어, 면 전체를 태우며 생기는 색의 결, 그 겹겹이 쌓인 깊이에 매료됩니다.    △ 나무에 따라, 또 얼마나 태웠으냐에 따라 색감이 달라진다.   △ 그림자23(220507-1351)_woodburning on birch_80x60cm_2022.   어떤 나무를 태웠느냐에 따라서 색감도 달라지는데요. 소나무 계열은 노란빛이 감도는 갈색, 자작나무는 고동색에 가까운 진한 브라운, 채리는 붉은 기운이 도는 갈색을 띱니다. 또한 같은 나무라도 얼마나 태우느냐에 따라 다른 색감이 나오는데, 이런 다층적 색감이야말로 제가 우드버닝에서 가장 큰 매력을 느끼는 지점입니다. 강의 시간에서도 이 주제에 대해 자주 설명하게 되더라고요. 대부분 선팁으로 윤곽을 그리고 면팁으로 간단히 그림자를 살짝 넣지만, 저는 반대로 면팁을 중심으로 사용하고 선팁은 묘사하는 데 사용합니다. 이 점이 다른 우드버닝 작업과 구별되는 점이기도 하고요.   Q. 현재 우드버닝은 생활공예에 머물러 있는데요. 산업적으로 확장할 수 있는 분야는 없을까요.  A. 우드월의 포인트 타일이나 보통 카페 메뉴판에 활용되는 초크아트 정도가 현재로서는 가장 실현 가능한 영역이지 싶습니다. 실제로 스타벅스에서도 한때 초크아트 메뉴판을 도입한 적이 있었습니다. 국내에서도 초코아트 시장이 형성되는 듯했지만, 곧바로 초코아트처럼 보이도록 하는 인쇄물로 빠르게 돌아서더군요. 우드 타일이나 카페용 나무 메뉴판 작업을 의뢰해 오시는 분들이 지금도 많지만…, 결국 비용의 문제 같습니다.      온전히 내게 몰입하는 시간 허락하는, 우드버닝은 내게 ‘행복’이다   Q. 공방 운영 문은 언제 여는지요. ‘순수미술 작가와’ ‘공방 강사’라는 두 역할이 서로 어떻게 영향을 주고받는지도 궁금합니다. 무엇보다, 행복한지요.  A. 주 2회, 아침 10시부터 5시까지 공방 문을 엽니다. 그 외 시간은 작업에 몰두하는데…, 우드버닝은 저에게 ‘행복’입니다.  아내이자 엄마, 그리고 공방 운영자로서 해야 할 일이 많지만, 하루 일정 시간은 반드시 ‘작업을 위한 시간’으로 남겨둡니다. 오롯이 저에게 집중할 수 있는 이 시간이, 저에는 소중한 ‘충전의 시간’이기 때문이에요. 완전히 내게 몰입할 때 비로소 행복을 느끼는데, 우드버닝이 그런 몰입감을 가능하게 해주기에 저에게 우드버닝은 곧 ‘행복’입니다. 이런 시간이 있어서 강의도 지치지 않고 이어갈 수 있었습니다.    △ 컬러를 입힌 고양이 우드버닝. 무지개다리를 건넌 반려동물의 초상화를 의뢰하는 이들도 많다.   △ 원형 액자에 정물 우드버닝. 우드버닝 작품은 설치만으로도 나무 특유의 따스함이 시각과 촉각으로 전해진다.   공방에는 미술을 전공하지 않은 분들께서 많이 오시는데, 그래서 배울 점이 많습니다. 정형화된 틀에 갇혀 있지 않고, 받아들이는 태도도 훨씬 유연하거든요. 각자의 색이 있고 분명해서 때로는 예상치 못한 표현들이 나오기도 해요. 수강생분들께서 가끔 가르쳐준 방식과 다르게 작업해 당황하실 때가 있는데, 저는 그런 작업에서 오히려 힌트를 얻어 제 작품으로 발전시키기도 합니다.    △ 김고은 작가에게 우드버닝은 온전히 자신에게 몰입할 수 있는 재충전의 시간으로, 행복 그 자체이다.   △ 그림자14(161006-1240)_woodburning on birch_80x55cm_2021.     예를 들어, 수강생분께서 의도치 않게 과하게 태운 작품에서 “아, 이 정도로 태우면 오히려 효과가 극대화되는구나!” 하고 새로운 감각을 발견한 적도 있습니다.  ‘가르친다는 일’은 결국, 저에게 또 다른 ‘배움의 시간’이기도 합니다. 작품활동만 하거나 가르치기만 했다면, 지금처럼 두 가지 일을 오래도록 이어가지 못했을 겁니다.     김고은 작가 이메일 주소 kkese@hanmail.net 인스타그램 @goeunssaem 네이버 블로그 blog.naver.com/kkese  

재능과 안목은 다른 문제다_수생헌 김현 소목장   인스타그램에 올라온 그의 작품을 보며, 갖고 싶다는 생각이 들었다. 장인의 깊은 손맛이 느껴지는 전통가구이지만, 어딘가 모던해 21세기 효율의 공동주택에도 썩 어울리는 감도 높은 디자인이 일품이었다.  이런 가구를 만든 그는 어떤 내면을 지녔을까. 수생헌 김현 소목장을 만났다.     글 | 장영남 인테리어 전문기자 jekyll13@naver.com     인생 2막입니다. 오랜 직장 생활에 마침표를 찍고 이 길로 들어선 이야기를 들려주세요.    제가 10대였던 1970년대는 먹고 살기 힘들던 때라서 ‘내가 뭘 하고 싶은지’, ‘내가 뭘 잘하는지’ 생각해 볼 수가 없었습니다. 가난한 대학생도 많았고, 가정형편이 어려우면 대학은 꿈도 못 꾸던 시절이었습니다. 그런 저도 적성에 관계없이 기계와 전자 분야에서 평생을 일했습니다. CEO로 활동하면서는 몸도 많이 상하고 죽을 고비도 여러 번 넘겼어요. 문득 “이렇게 살려고 태어난 건 아닌데….”라는 회의감이 들더군요.  그런데, 정작 제가 뭘 하고 싶은지 모르겠더라고요. 대학 시절, 고등학교 시절, 그렇게 시간을 거꾸로 거슬러 올라가며 곰곰이 생각해 보았습니다. 그랬더니 중학생쯤 되니까 생각이 났습니다. 그게 ‘목수’였습니다. 당시 삼양동 근처에 살았는데 길음동에 있는 중학교까지 걸어 다녔습니다. 그 길이 모두 목공소였어요. 학교길이면 목공소 앞에 쭈그려 앉아서 창틀을 만들고 장롱을 만든 목수님들을 한참 바라봤습니다. 목공에 관심이 있었던 거죠. 그러면 개중에 “와서 해볼래?”라고 장난스레 말씀하시던 분도 계셨고요.    △ 수생헌은 서울 종로구의 이화마을에 위치해 있다.    △ 작업 중인 김현 소목장. CEO로 일하면서 몸도 많이 상했고 죽을 고비도 여러 번 넘기면서 "내가 정말 하고 싶은 게 뭘까"라는 질문을 스스로 하게 되었다고.        가구도 스타일이 다양한데, 특별히 한국전통가구를 선택한 이유가 궁금해요.    처음 5~6년은 동네 목공소나 목공방에서 기계 다루는 법을 배웠습니다. 그 뒤 지인으로부터 한국공예건축학교(KOUS)를 소개받아 전통가구 제작기법을 배웠는데, 한국전통가구 미학과 제가 추구하는 미학에 공통점이 있더군요.   결구법이라는지 국산재로 만든다는 점, 그리고 무엇보다 직선적이라는 것이었습니다. 저는 단순화된 ‘미니멀리즘’을 선호합니다. 가구의 선(Line)과 형태(Form)는 단순하지만, 면(Plan)은 화려하게 채우는 방식을 추구합니다. 가구 전면을 화폭화하는 접근인데요. 틀은 직선을 따르되, 직선의 단조로움과 날카로움을 보완하기 위해 면은 곡선을 배치합니다. 이점은 일본전통가구와 한국전통가구의 차이기도 한데, 저는 이 곡선적 배치를 통해 가구에 회화성을 부여하고 있습니다.    △ 수생헌 내부. 기존 카페였던 곳이라 아늑한 느낌이 있다.   △ 2층으로 향하는 작업실 계단에 보관된 다양한 수종의 우드 슬랩.     널 소재로 애용하는 수종은 어떤 것인지…. 수묵화를 좋아합니다. 그래서 널 소재로는 먹이 번진 듯한 느낌의 먹감나무를 많이 씁니다. 삼층장 ‘환(Illusion)’이 대표적인데, 환은 먹감나무의 목리가 더 부각되도록 가로가 아닌 세로로 배치함으로써 회화성을 강조한 점이 특징입니다. 나무의 오묘한 무늬를 바라보며 각자가 다른 느낌을 받기를 바라고 있어요.        천재성은 타고나지만, 보는 눈 즉, 안목은 기를 수 있습니다. 직장생활할 때 주말이면 미술관이나 박물관에 자주 갔습니다. 많이 보다 보면 내면의 수용이 깊어지고 취향이 생깁니다. 회화에 대한 안목이 생겨 전통가구도 만들 수 있었던 것 같습니다.   △ 삼층장_幻(환, Illusion). 느티나무, 먹감나무, 오동나무. 먹감나무를 세로 배치해 목리가 더 부각되도록 했다.      회화작품에 대한 안목이 전통가구로 이어졌다니 흥미롭습니다. 가장 좋아하는 회화작품은 어떤 걸까요.   피카소의 게르니카입니다. 스페인 내전 중 독일군의 폭격으로 초토화된 게르니카 마을의 비극을 표현한 작품인데요. 오리지널은 아니지만 그 크기의 이미테이션을 사서 제 업무공간에 걸어 두기도 했습니다.    △ 파블로 피카소_게르니카_1937년. 김현 작가는 가장 좋아하는 회화작품으로 이 작품을 꼽았다.     인스타그램에 게시된 작가님의 작품을 보며, 갖고 싶다는 생각이 들었습니다. 분명히 전통가구이지만 21세기 공동주택에도 잘 어울리는 생활 속 전통가구라는 생각을 했습니다. 전통의 재해석에 대한 철학도 확립된 듯합니다.  전통의 재해석은 크게 두 가지로 접근됩니다. 하나는 원형에 현대성을 가미하는 것, 다른 하나는 현대물에 전통적 요소를 차용하는 것입니다. 저는 전자입니다. 우리가 사는 집은 그리 크지 않으며 우리는 입식생활을 하고 있습니다. 효율성이 중시되는 사회에서 미니멀리즘은 시대적 트렌드에 자리 잡았고요.  최대한 덜어내고자 합니다. 30평형대 아파트에 놓을 수 있는 크기에 풍혈 등과 같은 장식부재를 없애 간결미를 강조합니다. 녹색, 파란색 등 널을 아예 유색 옻칠해 단순미를 드러내기도 하고요. 메커니즘을 바꿔 쓰임을 재해석하기도 하는데, 문갑이나 약장처럼 좌식생활에 맞춰진 전통가구에는 다리를 달아 입식화하고 사방탁자에는 문을 달아 개방성 대신 실용성에 초점을 맞췄습니다.     현재는 미래의 전통이며, 과거는 현재의 전통입니다. 작품이라 할지라도 쓰임새가 있어야 한다고 생각해요. 목공예가 조지 나카시마(George Katsutoshi Nakashima)의 가구가 관상용이지 않은 것처럼 말이죠. 전통가구도 과거에는 일상에서 쓰였던 생활용품입니다. 과거의 전통가구가 미래세대에게 전달되려면 21세기의 시대정신이 반영되어 쓰여야 합니다. 그 시대정신에 대한 해석은 각자마다 다를 것이고요. 좋은 시도라면 받아들여졌으면 좋겠습니다.    △ 삼층책장. 느티나무, 은행나무, 오동나무. 널을 단색처리해 단순미를 드러냈다.   △ 이층 사방탁자. 참죽나무, 오동나무. 사방탁자에 문을 달아 실용성을 높였다. △ 콘솔_KH Console. 참죽나무, 먹감나무, 오동나무. 좌식생활에 맞춰진 문갑에 다리를 달아 입식화했다.  △ 콘솔_JJ Console. 느티나무, 먹감나무, 느티용목, 오동나무. 좌식생활에 맞춰진 약장에 다리를 달아 입식화했다.     작업에 어려운 점은 없으신지요. 기록물이 없다는 점입니다. 대패를 만들고 싶어도 그걸 만들 수 있는 대장장이가 없어요. 재료, 크기, 결구법, 마감처리 같은 제작에 필요한 모든 정보를 담은 문서나 제작과정을 담은 도면이 존재하지가 않아요. 이 전통의 단절은 전통가구뿐만 아니라 문화, 예술, 생활양식 전반의 현상으로 일제의 민족문화 말살 정책이 초래한 우리 역사의 비극입니다. 해방 이후에는 급격한 서양화로 전통은 설 자리를 찾지 못했고요. 그렇지 않았다면 신문물이 우리 것과 자연스럽게 융화되었을 겁니다.         △ 수생헌 김현 소목장.     공방에서 작업하실 때 어떤 기분인지도 궁금해요. 직장생활을 했을 때와 무엇이 다른지요.  ‘공의 상태’라고 해야 할까요. 사실 아무 생각이 없습니다. 좋아하는 일을 구속 받지 않고 하기 때문인 것 같습니다. 아침 7시 반까지 도착해서 6시 넘어 퇴근하고 하는 일상을 반복하고 있는데, 직장생활을 했을 때처럼 최선을 다하는 것에는 변함이 없습니다. 다만 그때는 하기 싫어도 해야 했던 게 많았고 지금은 그런 불편이 없다는 게 다릅니다.      2022년 5월 인영갤러리에서 첫 개인전을 가졌습니다. 반응은 어떠했으며, 이 전시회가 후속 작업에 끼친 점이 있다면 말씀해 주세요.   전시회에서 몇 가지 시도를 했고 나름대로 대중에게 어필되었습니다. 그 시도란, 앞서 말씀드린 미니멀리즘적 특성과 회화적 요소의 반영인데요. 반응이 좋았습니다. 전시 이후에는 이를 심화 발전하는 시간을 가졌습니다. 머릿 속에 있던 가구를 만들었지만 풀리지 않는 부분이 있어 6개월을 바라만 보기도 했습니다. 그렇게 방향성을 설정하기까지 2년이 걸렸네요.  프레임은 전통이지만 이를 어떻게 현대적으로 다듬어야 하는지에 대한 고민이 컸습니다. 가구보다 그림이나 회화성이 강한 공예 작품을 관심 있게 보며 영감을 얻었는데, 상명대 곽철안 교수의 작품이 그중 하나입니다. 회화의 붓 터치를 3차원 형태로 표현한 그 분의 작품들은 벽에 걸리면 평면 회화처럼 보이지만 공간에 놓이면 입체 조각으로 인식됩니다.  근래는 회화적 요소로 널에 목리 외에 다른 걸 접목해 보면 어떨까하는 생각을 많이 하고 있습니다. 이런 면에서 그림에 특별한 재능을 가진 손주와도 이야기를 많이 나누고 있습니다.      △ 김현 작가는 2022년 5월 18일부터 24일까지 인영갤러리에서 '김현 목가구展'이라는 전시명으로 첫 개인전을 열었다.      공방명 수생헌(樹生軒)은 무슨 뜻인지요. 작가님의 삶이나 나무에 대한 자세와도 맞닿아 있을 것 같습니다. 한자어로 베어진 나무를 목(木)이라고 하고, 살아 있는 나무를 수(樹)라고 합니다. 작은 나무 한 조각도 살아 있는 것처럼 대하고 마주합니다. 인본주의, 휴머니즘의 가치관을 두고 있는데, 그 바탕은 자비입니다.  1980년대 자동차회사에서 일하던 시절, 미국 기업가 아몬드 해머(Armand Hammer)와 대화할 기회가 있었어요. 그는 냉전시대 유일하게 스탈린과 대화할 수 있는 유일한 미국인이었습니다. 의사였는데 석유사업, 종마사업, 농업, 부동산, 예술 후원 등 다양한 산업에서 영향력을 발휘한 분이었죠. 어떻게 그렇게 다양한 분야에서 성과를 낼 수 있었는지 물으니까, ‘머시(Mercy, 자비)’라고 대답했습니다. 전쟁과 혁명으로 죽어가는 소련인이 불쌍해 도왔고, 에르미타주(Hermitage) 박물관의 그림이 좋아 더 많은 사람들에게 보여주고 싶었으며, 소련의 종마가 좋아서 미국에도 소개하고 싶었다고요. 울림이 컸습니다. CEO로 활동하며 회사를 경영할 때도, 자녀들의 교육에서도 ‘인간에 대한 애정’이 중심이 되고 있습니다.         끝으로 전통가구 제작에 관심 있는 후배나 젊은이들에게 하고 싶은 말씀이 있다면요. 현실적으로만 말씀드린다면, 부정적입니다. 직업으로서는 쉽지 않은 길입니다. 그러나 이쪽에 뜻이 있다면, 조지 나카시마나 구스타프 스틱클리(Gustav Stickley)와 같은 가구를 만들어 보기를 권합니다. 스틱클리의 가구는 LG그룹의 구본무 회장이 특별히 좋아하는 가구로도 유명합니다. 두 디자이너의 가구는 전통적이고 수작업 중심의 제작 방식을 고수하면서 가구를 예술의 경지로 끌어올렸다는 공통점이 있습니다.  한류가 통하는 시대입니다. 목공에 대한 자기 철학과 세계적 감각을 갖춘다면 충분히 도전해 볼만하다고 생각합니다.    김현 소목장이메일 주소 E.h.kim@hanmail.net인스타그램 @hyeon.kim57